廠牌：Turnstile
唱片：Girls - Album

九十年代雖然離我們很近，然而卻已有人按捺不住，急要去緬懷那個年代。六十年代有色彩斑斕的迷幻樂；七十年代有把一切都砸爛的朋克搖滾；八十年代則是鬼魅神秘的歌德浪潮；那九十年代呢？大概就是反璞歸真的Indie-pop／rock。

來自美國三藩市的Girls，是一支開宗明義的復古樂團。他們用lo-fi的錄音方法，模仿九十年代初的音質；自省的歌聲，純粹的結他和弦和輕柔的鼓點，催化成九十年代的音樂光景，也構成了我們現在看見的Girls。

他們炫目的地方，除了是義無反顧地模仿老舊的音質之外，還有就是他們的簡約作風。取名為Girls，於上個月推出的首張專輯更直接喚作《Album》，這種作風叫人錯愕的同時，也叫人留下深刻的印象。

先行曲目〈Lust For Life〉可說是整張唱片的點題作。開首就是結他的清聲刷扣，鼓點徐徐而至，再來是Christopher Owens帶點沙啞的聲線；整個氛圍，就是讓人聯想起秋日的陽光，樹葉飄飄落下的景象，有如沐春風之感。

緊接下來的〈Laura〉也是一首活力充沛的曲目。儘管歌詞一直描述對前度的各種控訴，卻因為編曲的跳脫感，令整體感覺不致於賣弄濫情，反而帶絲絲的幽默感。

〈God Damned〉甫開始就是一段綿延的結他勾弦。在這首曲目中，Christopher的聲線顯得歇斯底里，搭上後頭愈發急速的非洲鼓擊；短短兩分鐘，就帶出了Indie Rock的迫力。

〈Headache〉的浪漫來得有點忽然。慢板速度，悠揚的電子琴聲，讓人錯覺以為這是首六零年代、七零年代的經典情歌。然而錯有錯，歌曲還是令人相當受落。

每一趟說到九十年代搖滾樂，除了Indie-pop/rock，總離不開Shoegaze，Girls也不例外。〈Morning Light〉就是一首由頭飆到尾的Shoegaze；朦朧的音質，口齒不清的腔調，沒有間斷的鼓點，統統是繼承自Shoegaze。而就連那驟然的結束，也是貫徹傳統，彷彿是甜密美夢的一陣驚醒。

（原文刊於2009年11月1日《文匯報》副刊《耳油未盡》）

個人認為有某些音樂，必須是要一人樂團才能夠作出來。我們可以從Memory Tapes的音樂中，嗅出他個人的昔日回憶和主觀感受。他那刻意營造出來的迷蒙感，除了是音樂的催化劑，同樣亦是一種屬於私密的、羞澀的表現方式。

專輯的先行曲目〈Swimming Fields〉，有明顯的復古傾向。帶有Trip-Hop節奏感的電子鼓率先出場，接揚起的是經過效果器匯出的歌聲；鼓擊清脆有力，雖然未至於聽得搖頭晃腦，但配合歌聲卻讓人錯覺到，以為這首是六十年代的迷幻音樂，遠遠飄一股濃濃的藥香。

緊接下來的〈Bicycle〉，可說是整張專輯的「點題作」。在《Seek Magic》出版之前，樂隊已經推出過〈Bicycle〉的單曲唱片。曲目開首就充滿了迷惑的電子琴鍵聲，和妖冶的快拍節奏。曲目中段時插入了一段悠揚的結他獨奏，彷彿是九十年代初的Guitar pop音樂，甜蜜又深刻。

〈Stop Talking〉，乍看名字，還以為會是一首Ambient作品。然而曲目的編目和氛圍，均是專輯中最熱鬧的一首。帶有Disco的節奏，加上各式的混合效果，無論是放在舞池，還是在家中自放皆宜。

說到熱鬧，接下來的〈Graphic〉也不遑多讓。更短促的歌聲，換來更多的效果音響。相比起〈Stop Talking〉，更有作為舞池音樂的潛質。

〈Treeship〉置於《Seek Magic》的最後，則是一首開宗明義的Ambient和Experimental作品。其變化多端的編曲，由靜謐到噪音，從實驗到迷蒙；夾雜百般的情緒，如像是之前曲目沒能發泄到的情緒，全都放諸在此曲之上，為專輯留下了一個豐饒的結尾。

有曾經思考過《Seek Magic》這名字的由來。聽畢整張專輯，得到的看法可能就是指Memory Tapes的音樂是在音符中探索魔法，用魔法喚回自己記憶的一個過程。

（原文刊於2009年10月4日《文匯報》副刊《耳油未盡》）

在評論他們的新作品之前，或者需要回顧一下Editors的資料。Editors來自英國的伯明翰，他們的首張專輯《The Back Room》曾經在後朋克界別造成迴響。介乎於傳統後朋克之聲與新世代獨立搖滾之間；其編曲肌理與主聲深沉的聲線，總令人憶起Joy Division的音樂。

事隔兩年的《An End Has A Start》反而是急轉直下，完全抹去了後朋克色彩的一張專輯。09年的《In This Light and On This Evening》，主唱Tom Smith自言為樂團一次重大的改變。「If we'd tried to make another more traditional guitar record, I don't think we'd have got through it...for our own sanity, we had to do something we hadn't done before.」作為一個「前Editors樂迷」，儘管不再期望，還是得去關心一下這張標榜改變的專輯。

初聽《In This Light and On This Evening》，給我的驚喜不比首張的《The Back Room》低。新專輯絕對是一場翻天覆地的復古風，其復古的方向，並不是《The Back Room》向Joy Division的靠攏；反而是朝向八十年代的Synthpop和New Wave等電子風出發。

先行曲目，亦是點題作的〈In This Light and On This Evening〉。其開首總讓人想起Depeche Mode的早期作品。Tom Smith在曲目裡的聲線仍然深沉，是曲目來到中段，一直醞釀的貝斯和混合器先後爆發，音樂整體才跟高亢起來。

〈Bricks And Mortar〉感覺上是一首很Lo-fi的作品，然而電子琴仍是那樣華麗。Tom在此曲中有更大的發揮。對比起他在《The Back Room》或者是《An End Has A Start》的時期，他的歌唱技巧明顯有進步；不再是獨沽一味的沉厚聲線，而是趨向Indie Rock的柔多變。

〈Papillon〉有點Indie Dance的風味，雖然不及早期作品般叫人搖頭晃腦，卻還是專輯中稍為叫人躍動的一首。〈The Big Exit〉的編曲相當歌德，聽那狂躁的結他，還有Tom Smith自省的聲線，彷彿是在聽Bauhaus一樣。〈Like Treasure〉間中插入的電子鍵盤聲，用Modern Rock搭配電音，動聽非常。

置於專輯最後一曲的〈Walk The Fleet Road〉是電氣化最深刻的一首。有如太虛般的空曠感，半實驗半氛圍的編曲；沒有太多起承轉合，放在結尾一曲卻是恰到好處。

（原文刊於2009年10月18日《文匯報》副刊《耳油未盡》。）  

來自倫敦的The XX，在近幾個月裡突然冒起。他們冒起的過程，就宛如他們的名字一樣，充滿著神秘色彩。我們就可以想像，在倫敦那種潮溼多雨的環境下，一群穿著乾濕褸的慘綠青年。在咖啡店，在地鐵月台，在行人隧道，隱秘地交換著這支樂隊的資料、曲目和秘辛。

不知是哪一個電台開始放起他們的曲目，不知是哪一個音符牽動了大家的心靈。他們由一支寂寂無名的樂隊，倏地躍升到本年最受注目的單位。其後我們不再隱秘地交流；樂手的照片和資訊，也開始在網路上不斷轉載。面紗被揭開後，那種由神秘而引起的絲絲快感已經不存在。然而，如果有人問起你這支樂隊的名字，你還是會輕快地回應，這是The XX。

將騷靈與後朋克的結合，是The XX的特徵。把貼近人類心靈底層的歌聲，與人性黑暗面的樂章融和，得來的聲音竟是筆者想像不到的清新感。

《XX》是他們的首張專輯，原本期待的是陰暗的氛圍，然而他們顯然不甘心跟在其他後朋克前輩的步伐。〈VCR〉置於前奏後一首，首先揚起的是後朋克式的結他，跟隨著的是女主唱Romy Madley Croft；一把騷靈女聲與後朋克結他融合起來，效果出奇地飄逸迷幻。

〈Crystalised〉簡約的前奏，瞬間攝住筆者的心。那激烈的結他伴奏，不像是Joy Division的憤怒，卻帶點Interpol式的冷靜感，終究是新時代的產物。

而除了騷靈的影響外，R&B也是構成The XX的重要元素。〈Heart Skipped〉的節奏就帶點R&B的味道。雖然那種熱歌勁舞當然不會出現在他們身上，然而這種配搭在獨立音樂卻是趣味盎然。

〈Fantasy〉則是一宗開宗明義的迷幻曲目。Ambient式的編曲，宛如在太虛間的對話，飄浮著的結他勾弦，蠕動的貝斯響，後段隱約要暴發出來的噪音，卻瞬間轉換為大自然的鳥嗚聲，應該算是一趟旅遊的回程。

〈Basic Space〉可以說是一首完全的R&B曲目；分別不過是將樂器音量收細，換上半吟唱式的腔調。然而在The XX的控制下，那種味道卻不是單純勁歌熱舞，或者憂鬱小調可以包括得到。

廠牌：Blue Note
唱片：The Bird And The Bee - Ray Guns Are Not Just The Future（2009）

少女重複陷進或者單戀或者不倫的悲劇情景，一直是筆者對The Bird And The Bee的印象。記得首次聆聽《The Bird And The Bee》時，有一種驚為天人之感。掙脫了所謂Indie-pop樂隊的桎梏；那直接得叫人黯然的歌詞，唱出了少女初戀的苦澀。儘管風格是老氣的爵士和冰冷的電子，仍絲毫不減那種徹底的失落感。

推出首張專輯後，他們終於在本年初推出了第二張錄音室作品；以《Ray Guns Are Not Just The Future》這科幻味重的名字命名。假如，《The Bird And The Bee》是一個初次約會，不慎噴了過濃香水的少女；那麼《Ray Guns Are Not Just The Future》就可能是一位大方得體的女士，擁戴著合宜的打扮和舉止；卻也因而缺乏了青春的質感。

大概由前奏〈fanfare〉開始，舊樂迷已經聽得出他們銳變的端倪。跟接著的〈My Love〉更是充斥著那Cute-pop／Indie-pop專有的拍手聲效，然而在曲風上，卻還是保留了固有的飄逸感，電子音效依然精彩。

上面提到的情況，在〈Love Letters To Japan〉更明顯。開宗明義的跳舞作品，流行化的編曲和歌詞，進佔了他們的音樂；也許是這個緣故，此曲目在電台的播放率比之前的作品都要高，同時亦得到了坊間的廣泛認識。可是作為舊樂迷的筆者，心裡期待著的，是像〈Again and Again〉和〈Fucking Boyfriend〉般迷幻飄逸的作品。

〈Ray Gun〉算是對舊樂迷的一點慰藉；歌詞裡，少女幻想著某日遭劫時，會有某人的捨命相救；幻想著某日生無可戀時，會有某人從旁鼓勵。配合著緩緩的節奏，雖然沒有往日的戚戚愁容，卻還是一種少女專屬的傷感。

之後的〈Polite Dance Song〉、〈You’re Cold〉和〈Witch〉等；有舞曲、有民謠、有電子；編曲確實比以前豐富，卻總缺乏了那點點的感動。就似是泛不起漣漪的湖面，任憑你在湖邊鐘鼓作樂，就是引不起共嗚。

是The Bird And The Bee的銳意改變，我們無法強迫一個成年女性，紮起孖辮佯裝少女；但既然他們還可以寫出〈Ray Gun〉此類作品時；作為樂迷的筆者，就只可以像一個單戀者一樣，默默期待他們下一張專輯，會帶來新一次的共嗚。

（原文刊於2009年3月22日《文匯報》副刊《耳油未盡》） 

馬玉龍既號稱流浪詩人，那麼他寫的一字一詞，多少都有它們存在的意義。正如其所在樂隊聲音碎片那初生之犢不安浮躁的《世界是噪音的花園》，馬玉龍在一次訪談中說：「花園是美好的，它代表了生活中的美麗一面，但實際上生活遠沒有那麼單純，它充滿了噪音、不安、緊張和不和諧。」

又譬如三年前《優美的低於生活》，他也可以圓滿地解釋說，「『優美的低於生活』是一種生活態度，我們不是高高在上；我們是混入人群就找不到的人；我們尊重生活。」

當然，讀者／樂迷仍有自己的解讀權，未必需要認同他的單一解釋；而儘管筆者知道如此，依然感到非常執迷，究竟馬玉龍會如何解釋去年末推出的第三張專輯──《把光芒灑向更開闊的地方》呢？

請恕筆者在文中一次又一次地單獨提起馬玉龍，而彷彿漠視了其他成員的功勞。事實是，聲音碎片的歌詞的閃亮度，有時比起其編曲旋律更為炫目。

先行曲目〈在一起〉，結他勾弦聲緩緩揚起，背後迴響著扭曲的結他聲，然而鼓擊拍子卻是如斯單純樸實，沒有半點花巧。依樂隊本身來說，專輯的風格本來就是要簡潔一點；在這樣的鋪排下，旋律本身的美感也更加明顯起來。

緊接著並非立即的曲目，卻是一段仿似古老留聲機的歌聲揚起，一個男人，沙啞的聲線，哼唱著悲哀的曲。直到00:30，曲目才正式轉入這首〈天邊一朵雲〉。

「一朵雲的色彩，單純得只有黑白，彩虹像善意的謊言／一朵雲得驕傲，輕浮得沒有重量／風一吹，誓言就凌亂。」歌詞不過是寫到雲、風、彩虹，卻可以有這般的描寫文字；樂迷大概可以想像到，馬玉龍都是從最基本的材料下，寫出最好的聯想。

〈陌生城市的早晨〉則是一首很有前進感的曲目；尤其喜歡副歌中馬玉龍胡亂喊出一堆不知名的話，再唱出「唯有晨光從容，沒有疑問，新鮮如初。」不知怎的，總帶有很鼓舞的意味。

同樣具有前進感的曲目，是作為點題作的〈把光芒灑向更開闊的地方〉。首目一開始便格外奪耳。由結他主導的一曲，結他效果拿捏得準，歌詞還沒有哼出來時，單單是結他部分，樂迷已聽出耳油。到後段不斷地改變曲目節奏，是編曲相當豐富的一首。

相比起專輯前半段的悲涼孤單，置於末尾的曲目便顯得有點肆意了。少有〈隨意跳舞吧〉這麼簡單的曲目。歌詞中，「跑不起來，只能一直跳舞。飛不起來，只能一直跳舞。」讓人感覺到狂歡中滲發點點頹靡意味。既然追不上理想，追不上世界，我們只好一直笑一直跳舞；只是嫌派對太短，只有四分鐘四十六秒。

〈情歌而已〉，有人熱烈慶祝聲音碎片終於要唱情歌，然而他們又好像不大可能會唱單純的情歌。閱讀歌詞，還是會覺得處處有玄機。「曾經我們不分白天黑夜，唱著情歌一路來看你，你如此回答情歌而已」，而如果，如果這真的只是一首情歌；那都只會是一首，只有他們才會讀得懂的情歌。

（原文刊於2009年1月18日《文匯報》副刊《耳油未盡》） 

廠牌：Mercury Records
唱片：The Killers - Day & Age （2008）
                              
四年之前，筆者首次聽到The Killers的〈Somebody Told Me〉；剎那就被那流麗的New Wave編曲，英倫流行樂的旋律所迷倒。到他們推出《Sam’s Town》時，查看資料後才發覺他們是來自賭城拉斯維加斯；該唱片更是有著濃厚的美國風情。又難怪推出首張唱片《Hot Fuss》期間，他們會被戲稱作「來自美國的最佳英倫樂團」。

先撇開他們對英倫樂隊的仿傚，真正讓人拜服的是，他們可以將New Wave、Post Punk、Brit pop、Alternative Rock、Indie Rock共冶一爐；不讓他人覺得雜亂無章，反而有一種非當摩登的氣息。

《Hot Fuss》和《Sam’s Town》兩張唱片，曾經創下合共八百萬的銷量，更於Billboard專輯排行榜Top 100留守了九十四個星期。本年11月，他們推出了第四張錄音室專輯《Day & Age》。之前在網上一直流傳的《Previous Age》，被指為「炒冷飯」的作品。然而，來到正式的專輯《Day & Age》又會是怎麼一回事？

專輯首曲〈Human〉，開始不久就切入到華麗的電子音牆；那急速的地鼓，配合到Brandon Flowers的歌聲和鍵盤，充滿了80年代的Synth-pop風格。接下來的〈Spaceman〉卻換來了紮實的結他搖滾。旋律是傳統的indie rock格局；細心聆聽下，中間的貝斯和效果器轉換，等等編曲上的細微地方，他們也都處理得不俗。

可能有資深的樂迷，一早便知道Flowers是New-Order的超級粉絲；但原來他也曾經受到Oasis的結他音樂影響，所以我們今天才會聽到The Killers的音樂裡頭，電結他和電子樂並駕齊驅的場面。 

〈Joy Ride〉是專輯中比較有舞曲成份的曲目，跳脫的貝斯，搭配偶爾傳來的木器敲擊聲，就連色士風也動員起來；是與歌名相輝映的一首。〈I Can’t Stay〉也是一首偏重貝斯的曲目，整首曲目就圍繞著貝斯和簡單的敲擊節拍而行，滲透著一種如沐春風的感覺。這種取向也算是The Killers的另類嘗試吧！

如果要數到筆者最喜歡的，就算是〈The World We Live In〉。樂曲採取了大量的電子碎拍，配合到流麗的旋律；幾乎可以想像到Flowers在台上渡步演唱的偉風模樣。雖然曲目本身並未有任何前瞻性的取向；可就是這類曲目，才有最大可能流行起來；大有潛質挑戰〈Somebody Told Me〉作為The Killers國歌的地位。

（原文刊於2008年11月30日《文匯報》副刊《耳油未盡》） 

廠牌：Matador
唱片：Mogwai - The Hawk Is Howling（2008）

當日接觸後搖滾（Post-Rock）時，還一心以為後它與Shoegaze、C86和Dream pop同樣是朝生暮死的音樂類型。含蓄地誕生然後訊速逝去，只能等待後輩重新發現，精研改造成另一種樂風；像幽靈般地存活下去。

然而事實是，未待後搖滾逝去，新一輩已經紛紛把indie-rock、Emotion rock及Metalcore等樂風混進了後搖滾之中。就連後搖滾的龍頭大哥Sigur Ros，新專輯也不再賣弄冰島的冷酷情意。反而另一支後搖的巨頭－Mogwai，由始至終都沒有對自身的樂風進行大量度的改變。剛剛推出的新專輯《The Hawk Is Howling》，就是一份最大的證明。

Mogwai來自蘇格蘭，該地一向予人感覺是，綠油油的高山，清新的空氣；可同時間，又有著一街的流氓，天天醉酒鬧事；像改篇自英國小說的電影《Transpotting》，種種暴力刺激的情節，也是以蘇格蘭作為背境。與其他幾支早期的後搖滾樂隊比較，Mogwai的確是比較吵耳的後搖滾樂隊；忠實的樂迷們，大概沒可能忘記到《Mr Beast》中刺耳尖銳的結他和澎湃的鼓技。《The Hawk Is Howling》承襲著這份傳統，再次把後搖滾暴風雨領到我們跟前。

一如以往的鋪排，先行曲目必然有傷感的鋼琴伴奏；〈I'm Jim Morrison, I'm Dead〉由曲首靜謐的氛圍，逐漸插入鼓擊和結他音牆，把情緒推上高點。接下來的〈Bad Cat〉則有相當技術化的表現；看似沒有變化的結他，卻原來一直透過混合器在轉變著。

〈Danphe And The Brain〉和〈The Sun Smels Too Loud〉則一反往常，有著Ambient的氣息。電子鼓點，加上清新的結他演奏，讓人有種錯覺，以為Mogwai要投向花草電子的路徑。〈Local Authority〉雖然同樣有Ambient的特性，然而效果卻儼如舊年代的迷幻樂一樣，叫樂迷的思緒浮遊於太虛之中，不復回來。

雖然看出《The Hawk Is Howling》是有意多造婉和的音樂，但筆者深明白到Mogwai的樂迷，最想追求的還是那厚重的結他音牆，所營造出的壯麗情景。〈Scrotland's Shame〉是相當Mogwai式的曲目，有著適量的重金屬結他，既不會太狂張，又襯托出Post-Rock中激動的另一面。至於〈The Precipice〉一曲，則是專輯中最有氣勢的曲目；拆聲結他，不斷重複掃弦，近乎於Post Punk結他的表現；另一獨奏結他手卻同時彈奏出豐富的旋律。至曲目中間一段，鼓聲暴發，配合結他聲，氣氛因而逐漸變得邪氣。

《The Hawk Is Howling》是Mogwai又再一次功。距離成立到現在已經十三年。當Sigur Ros也要轉變方向的時候，Mogwai仍然堅持自家對後搖滾的態度；即管他日後搖滾不再流行，Mogwai還會是一隊老而彌堅的樂隊，玩著自家的Mogwai式搖滾。

（原文刊於2008年10月19日《文匯報》副刊《耳油未盡》） 

這是一個怎樣的潮流？火紅的搖滾樂，不再是獨立樂迷最期待的東西。反之，以反傳統搖滾姿態出現的Post-rock，卻愈來愈受歡迎。近年間，獨立樂圈更冒起了不少變種的Post-rock。Russian Circle便是近年冒起的Post –Metal樂隊。以Post-rock的編曲手法，加入重金屬結他作招徠，令本來以冷靜見稱的Post-rock，添上了一份熱血。矛盾嗎？這是一個後現代的時期。

以編曲和樂器鋪排來說，Russian Circles交足功課。2006年出版的那張《Enter》，就令他們受到注目；本年再接再勵，推出了《Station》。並一度為不少後搖滾樂迷的討論對象。

誠然，雖然他們是Post-Metal樂隊；可結他演奏出的，卻不是純粹的重金屬味道，而是混和了不少Hardcore和Alternative Metal的成法。先行曲目〈Campaign〉，未有呈現到這方面的風格；然而緊接下來的〈Harper Lewis〉，就滲漏出不少Hardcore的影子，結他間斷地掃著沉重的Power Cord；輪到中段，連綿的結他獨奏，又重回到重金屬的風格之下。

如果樂迷有留心的話，可以觀察到主結他手的Guitar Riff的技術化表現。那種結他手法類似美國樂隊Tools一樣；看似重複，實則不斷變化。緊密的彈奏，讓聆聽者沒法子從結他音上挪開。

唯一令筆者感到懷疑的可能是，《Station》的錄音似乎太過「乾淨」。如果以Post-rock的標準來說，這可能是正確的方法。可Russian Circles這隊Post-Metal樂隊而言，卻浪費了不少編曲上的心思。

以點題作〈Station〉為例。曲目開首就營造出一種大戰前夕的緊張感。鼓手單踏地鼓，力度由輕至重；結他亦配合拍子，愈加繁複地彈奏出風格化的結他。本應是壓迫感十分的曲目，可是因為錄音上太過仔細；就失去了重金屬原有的粗糙豪邁。

或許是因為這份缺憾，令筆者自然地傾向非金屬化的曲目。〈Versus〉正是如此。刻意營造出一種空曠的氛圍，通過混合器的結他緩緩進場，後來加進單調的鼓聲伴奏；到中段時，結他音牆突入，配合澎湃的鼓擊；暴發出一種後搖滾獨有的煽情。

同樣非金屬化的〈Xavii〉，也教人傾心。捨棄失真的結他；演至末段時，本來的勾弦，更轉換成和弦彈奏；彷彿是〈Station〉的另一版本；卻更為平實，更為討喜。

（原文刊於2007年7月24日《文匯報》副刊《耳油未盡》，現已作部分修改。） ]]> http://phaedrus1211.mysinablog.com/index.php?op=ViewArticle&articleId=1324320 http://phaedrus1211.mysinablog.com/index.php?op=ViewArticle&articleId=1324320 http://phaedrus1211.mysinablog.com/index.php?op=ViewArticle&articleId=1324320 Thu, 28 Aug 2008 06:16:01 +0800

廠牌：EMI
唱片：The Bird And The Bee - The Bird And The Bee (2007)

廠牌：Sub pop
唱片：CSS - Donkey (2008)

我已經不是熱血的搖滾青年。不會義憤填膺地說政治立場，不會批判宗教信仰，說甚麼「高聲疾呼Rock'N Roll」之類的說話。這類說話，現在聽起來也覺得肉麻。餘暇時候，就只是想聽一點令人愉快的派對音樂，在音樂聲中跳跳舞，肆意地發泄剩餘無幾的活力。

Cansei de Ser Sexy（簡稱CSS）來自巴西的聖保羅五女一男的樂隊陣容，除主唱之外，樂手都是交換著樂器玩；今次你打鼓，下次又換你來彈貝斯，大家來哈一下。其實樂隊初開始時，他們根本沒有甚麼音樂理想，只是希望藉音樂，滿足成員自身的瘋狂念頭。

然而，樂隊2006年的同名專輯《Cansei de Ser Sexy》，為他們換來了名成利就；其復古味的電子琴，節奏間的重groovy味，得到了Indie樂迷的青睞，成為了樂迷間的開心果。事隔兩年，CSS終於又帶來了新一張專輯《Donkey》。

上張專輯《Cansei de Ser Sexy》的〈Alala〉、〈Let's Make Love and Listen to Death From Above〉、〈Music is My Hot, Hot Sex〉和〈Art Bitch〉唱至街知巷聞，其舞曲風格，讓樂迷留下了深刻印象。《Donkey》再接再厲。沒有開場音樂，先行曲目〈Jager Yoga〉有漂亮的結他演奏，鼓擊雖然單調，卻又帶出了跳舞音樂的節奏感；女主唱繼續以半唱半唸的風格，去演繹音樂。一曲就已經令等候兩年的樂迷亢奮。

緊接下來的〈Let's Reggae All Night〉的貝斯和效果器很突出，不斷重複一句「Let's Reggae All Night」，在現場演唱時，肯定引來一陣合唱場面。〈Give Up〉則是一首比較傳統的Indie Rock作品。大量採用結他演奏，效果器卻缺席了；但儘管如此，還算是朗朗上口的曲目。

然而，真正能給我有跳舞衝動的，在這張專輯上是少見了；〈Left Behind〉和〈Move〉在當中比較突出。〈Left Behind〉，不論是Verse還是Chorus，旋律都相當迷人；歌詞取材上，是鮮見的感性內省，一首叫人一邊起舞一邊神傷的曲目。〈Move〉不用多說，隱約在結他前奏後就聽到電子琴聲揚起，末段的Rap尤其令人精神。可以想像，是為派對而創作的音樂。

誠然，如果堅持要聽的是如〈Alala〉或〈Let's Make Love and Listen to Death From Above〉之類的作品，就可能要失望。上面兩首〈Left Behind〉和〈Move〉都未能達到這個層次。觀察得到，《Donkey》是有意地投向了Indie Rock的風格中，舞曲音樂的比重亦相對減少。這會否是CSS的好轉變？我只是不希望，難得的舞曲樂隊又少一隊。大家期待的不過是假日的高質素跳舞音樂罷了。

（原文刊於2008年7月27日《文匯報》副刊《耳油未盡》，現已作部分修改。）  

廠牌：Capitol Records
唱片：Coldplay - Viva la Vida or Death and All His Friends (2008)

2002年的《A Rush of Blood To The Head》為他們取得了商業上的成功。緊接推出的《X&Y》更在全球賣了一千萬張，使他們成為了當時得令的搖滾樂隊。筆者要說的，是後英倫搖滾樂隊——Coldplay。

之所以稱為「後英倫」，顧名思義是，延續了九十年代輝煌英倫樂隊的曲式；琅琅上口的旋律，漂亮的結他演奏，以及悅耳的英國口音。只是Coldplay並不滿足於此；他們揚言，接下來的第四張專輯，要呈現出樂隊的全新風格。這張唱片就是剛於六月推出的《Viva la Vida or Death and All His Friends》。

《Viva la Vida or Death and All His Friends》（下稱《Viva la Vida》）中的「Viva la Vida」，摘自墨西哥的名女性畫家——弗里達．卡羅的一幅作品；全句的意思是「活躍的生活」。只是，封面卻另外用上了另一充滿革命激情的法國繪畫「Liberty Leading the People」。其實也頗切合樂隊本身求變的意圖。

這次革命，除了Coldplay自己作戰外，他們也找來了Brian Eno的參與，作為新唱片的監製。在Eno的領導下，《Viva la Vida》呈現出樂隊以前沒有的多姿多彩。編曲上沒有過於冷靜深邃的表現，反之是芭樂得很。如〈Lost!〉，〈Lovers In Japan〉和〈Yes〉。

〈Lost!〉中，最欣賞的不是電子琴的寂寥迴響，而是結他經效果器扭曲後的壯麗感覺，與Chris Martin的旋律可以分庭抗禮。另外副歌中的喊叫部分，可以想像樂隊在現場唱出時，引來樂迷大合唱的感動場面。

〈Lovers In Japan〉在專輯中是備受樂迷讚賞的作品，大概是那跳脫的節奏，有使人想躍動起舞的衝動。密集式的琴鍵用得其所，使得編曲相當豐富動人，躲藏在琴鍵後面的，是加入了效果器的電結他聲，呈現出樂隊迷幻的一面。只是沒料到後面，Martin是緩慢地把句子唱出，以此方式為活躍的曲目作結。

〈Yes〉使用了有巴爾幹半島上的鄉村弦樂，使曲目有別於一般英倫樂的主流味道，散發出一股異國氣息。末段是繼續了〈Lovers In Japan〉的方式，突然轉變的編曲和節奏。其末段的風格則更接近於近年復興的Dream pop／Shoegaze。

不得不留意的是，Martin在專輯之中，不再運用他熟練的假音唱腔，而是一副平實的樣子，原因大概也是求變的方向。這個改變雖大，卻也不及點題作〈Viva La Vida〉中運用大量小提琴和強樂般受到注目。

誠然，在英倫歷史上使用各種提琴，都不是新鮮事。The Verve已經是先行者。但此等樂器出現在Coldplay身上，卻是令人振奮。細讀〈Viva La Vida〉的歌詞，不難發現到以第一身寫成的詞，是以造物主的角度寫成。以向來著重於私密感情告解的英倫流行樂來說，此作其實也是突破。歌詞的深度，與樂器採用發出的澎湃感情，其實高明得很。 

（原文刊於2008年7月13日《文匯報》副刊《耳油未盡》，現已作部分修改。）  

廠牌：Self-production
唱片：Por Por Channel - 就係咁簡單 (2008)

自譽「過期戇直青年」的阿波，本為22Cats的結他手。在他的MySpace上，他述說青年時期時，深受到樂隊「掟爆結他」的表演打動，並因而開始了「日出而工作，日入玩音樂」的音樂生活。

阿波剛推出了其個人樂隊——Por Por Channel的首張EP《就係咁簡單》。22Cats與Por Por Channel雖然同為Indie-rock樂隊，不過，前者傾向於更playful的garage rock，後者則是近似dream pop的氛圍。

《就係咁簡單》有五曲，阿波包辦了作曲、編曲及填詞的工作。而其他工序則交由樂隊「在草地上」協力。〈在草地上〉經常協助本地樂隊作演出及錄音工作，紮實的功底不可小覷。

首曲〈爸爸〉，一陣迷幻氣息的綿長結他貫穿全曲。看似沒有變化的勾弦結他中，彷彿一直蘊涵著爆發點；原以為會有post-rock式的結他爆發，然而由開首至結他都是平靜的，安守作為開首曲目的身份。

緊接下來的〈沒理由〉則是承接著〈爸爸〉的氣氛。阿波的聲線表現得頹靡，配合歌詞「愛上梳化床和她 /說服我吧/脫掉襯衣/你說喜歡藍和黑/沒理由」，不禁令人想入非非，把歌詞代入到阿波這個角色之中，相信那是他的私密情感。除了歌詞，筆者尤其喜歡中間一段的結他獨奏，迷幻氣息濃厚。

〈Jasper（PPC Version）〉原本是22Cats的作品，現由阿波重新演繹，弄出了個PPC Version來。鍵盤聲與noise rock的結他貫穿整首曲目，偶爾突入的幾下清聲結他，亦顯得相當甜美。

要數到《就係咁簡單》中，最叫人暢快一曲肯定是〈蘇菲與史丹福〉。此曲是由阿波與前Laughitoff主唱陳惠琳對唱；鼓聲澎湃，節奏爽勁，這裡的結他已不似前幾曲般憂鬱，反而其noise rock感十足的結他，使人雀躍興奮。臨尾阿波的一聲尖叫，更是趣味盎然。

〈Come With Me〉回復了之前的陰鬱氣息，不過沒用到效果器，而是最基本的木結他acoustic作品。沒有過分賣弄，玩出了一分樸實感。

《就係咁簡單》雖然只有五曲，但以一張EP來說，阿波這個Por Por Channel的個人計劃，可謂相當完滿。編曲和歌詞皆屬上乘，也絕不比22Cats的質素低。

（原文刊於2007年7月6日《文匯報》副刊《耳油未盡》，現已作部分修改。） 

廠牌：口袋唱片
唱片：布衣樂隊 - 那麼久（2007）

搖滾精神的體現

搖滾精神的體現，大概就是－「如果有一天媽媽不支持我，朋友不支持我，都沒關係！我還會繼續唱搖滾的。」這是主唱吳寧越，跟其專輯製作人Funky在喝酒時扯的一句話。

布衣樂隊成團十二年。剛於過去的十二月，才推出了他們的首張正式專輯《那麼久》。今次跟他們合作的，是長日本名鼓手及音樂製作人－Funky。他，應該是對中國獨立音樂成長最有認識的國外音樂人。

日藉搖滾製作人

由黑豹時期他已經在國內，並愛上了中國的獨立音樂。雖然曾經一度回日本，但後來再次走到了中國，並錄製了一張關於他逝去的友人，唐朝貝司手－張炬的紀念專輯《禮物》。因緣際會，在錄製專輯時認識了來自寧夏銀川的布衣樂隊，並替他們進行專案的錄音工作。

Funky是怎樣的一個製作人？他堅持要與樂隊一同排練，與他們住在同一個院子，並親自搭建錄音室，要求錄出一種屬於大家的聲音。就是這樣跟樂隊朝夕相對，一起喝啤酒和聽音樂；讓他自己更能熟悉樂隊。就是Funky為唱片製作的執著，才令到《那麼久》的聲音能夠那麼成熟，不負樂隊十二年來的艱辛。

民族的風采

說來布衣樂隊蟄伏十二年的專輯，也是一種對國內音樂發展的見證。樂隊一直予筆者的感覺是；原始，民族感，浪漫氣息。民族感自然來自樂隊那種偏民謠風的音樂。原始則來自吳寧那把帶西北口音的腔調；雖然粗獷，但卻似有穿透性般，把音樂逐點溶化。至於最後的浪漫氣息，當然是指他們的歌詞；猶如詩詞般煽動，又有激勵人心的本質。

首曲〈那麼久〉的歌詞，「時間已經過了那麼久，天空已經灰了那麼久，而憂傷還在我左右，而理想還在我身後。」就是過了那麼久，才推出的一張專輯；雖然理想未完達到，但就是過了那麼久，他們也沒有放棄。緊接的一曲〈在你身旁〉，「忘了吧，過去的憂傷。忘了吧，曾經的理想。忘了吧，孤單的時光。來吧，我們在你身旁。」繼續前曲的主題，也叫一眾支持己久的樂迷窩心。

民謠風自然是另一個叫人神往的元素。〈羊肉麵〉和〈丟〉展現樂隊獨有的魔法。80年代式的抒情搖滾風格，結他手張巍也加入到不少中樂意念的結他獨奏；西洋的表層，骨子裡盛住民族的風采。

〈我愛你親愛的姑娘〉的氛圍其實也抒情，並滲漏出頹靡的氣息。那綿延的口琴，如沐春風；嗓子也顯示了樂隊少見的清狂。

〈風〉是叫筆者最亢奮的曲目。與〈我愛你親愛的姑娘〉同樣地，有相當比重的民謠結他。切入的結他獨奏很是華麗，加上末段的雙踏鼓，根本就是重金屬的格局，怎不叫人亢奮？而歌詞中，也解釋了他們追夢的態度，一股不斷向前衝的勁度。以下的歌詞，請細味。「一直在向北而行走，走過那千山萬里愁，風起雲過雨打濕過，走過那山的時候，一直向前不停休。」

（原文刊於2008年2月10日《文匯報》副刊「耳油未盡」，已作部分修改。）

廠牌：self-released
唱片：George Dorn Screams - Snow Lovers Are Dancing（2006）