三個挪威人，用一把結他，與一大堆廚房器皿，自稱是「kitchen appliance rock」。奇異的樂器組合和竭斯底里的北歐人。形式主義過甚，技術也乏善可陳，誠然是未夠討好；然而無論你是欣賞或是鄙視，都總會瞥上一兩眼。

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記者嘗試跟著主唱Eric Cheung讀「Innisfallen」一詞，他們的樂隊名；可總是發不準音。而在看到其餘兩位出席訪問的成員－結他Sam Tsang和鼓手Sui Cheong，呷著咖啡，謙謙有禮地端坐著；記者直覺到，這夥人為甚麼會冒著樂迷讀不懂的風險，還是要取此學院派色彩濃重的名字。

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寫過不下五十篇樂評，也在音樂雜誌寫過Freelance，但始終掌握不到所謂的「語言」。究竟樂評應該以理性的分析，樂團歷史資料與專業名詞的匯合；又還是純粹地將游離的音符，將意志化成非理性的文字會來得恰當？若果這問題套用在職業樂評人身上，牽涉到的將會是技術性問題。要在一天內消化三至四張新唱片，再在潮流退卻之前吐出深切的感受，是非凡人的作業；出來的評論質素大概只會愈來愈低，亦是所謂的「重量不重質」。

昔日，樂評的作用在於幫助唱片消費對象，用對樂評人的信心及對樂評本身的體會，來購買適合自己的唱片。來到今日，唱片死忠者大概都會利用MP3試聽一遍才選擇購買不購買，樂評的功能性早已失去。所以，在我立場我認為樂評可以獨立出來，不再依附著「消費模式」生存。也能夠成為一種新生文學，就像是詩和小說一樣。捨棄「資訊為重」的形式（其實樂評從來不是太嚴肅的評論）。

個人很喜歡「未來不是在我手中」網主海德的一篇文章〈音樂文字革命？〉。他在文中表示道：「文學界有Indie散文，那麼我們有Punk-Review嗎？或是這樣革命性的文體根本就不存在？我想這是一個相當難解答的問題，因為我也在嘗試當中，但是不知不覺仍會援用了既有的歸納手法和知識，倒底如何在寫作音樂時，拋棄一種先知者的態度呢？如何產生原始到不聽音樂的人也能迅速理解的文字呢？（就像掉入音樂感動一樣容易）」

捨棄媒體的既往形式，忠實於音樂而不是資訊新聞。不過最後的問題是這樣的文字是否能吸引到人，文體上的破格會否因而令樂評變得難以觸摸？這是我最矛盾的地方。

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一週年其實沒甚麼好紀念。但若果你一直是這網誌的讀者，而一直又處於「潛水」狀態。可以的話，我希望你留個言，讓我去認識你。（MyBlogLog給我的統計，證實到固定的瀏覽率與留言量不相乎）當然我要申明，我跟那些愛貼自拍照，愛用粉紅色字體寫上「路過留個ＣＭ比我啊」，以海量留言數量來秀的人不一樣。我只是想認識你們。

本來對金像獎頒獎典禮沒有甚麼興趣，只是抱著一看無妨反正沒事幹的心態去看。不過當晚表演嘉賓－Alive這隊偽Boy Band的演出，卻令我久久未能忘懷。初看到Paul Wong為他們伴奏時已覺不對頭，後來各獨立樂隊的主唱逐一出場，我的謎團才消去，換來一個會心的微笑。或者，這一切要從Alive的開始說起。


Alive由吳彥祖、尹子維、連凱及Conroy四子組成。由在網上發佈〈阿當的抉擇〉一曲宣佈出道。可是，由開始到解散了，就只有「阿當的抉擇」一曲發表過，更沒有唱片公司肯收容他們，整件事來得有點詭秘。但若果你有留意娛樂新聞的話，你就大概會知道Alive的葫蘆是賣甚麼藥。

Alive從來是一個Project，為的只是去年由吳彥祖執導的「四大天王」，一套半虛半實，半自傳式的電影，以諷刺娛樂圈的荒謬。他們就招認了一直以來由Alive所製造的事端根本就是一場真人Show。事源於吳希望令電影更具真實感（荒謬感）而開始的Project。可惜的只是由他們的組成到電影上畫都沒有引來過大迴響。但，也許因為這樣，他們才有機會在頒獎禮上惡搞一下。


未有到網上看其他人的反應，只是主觀地認為這會惹起許多「Band友」們的口誅筆伐。但其實四子們的方法是高明得很。利用Alive的名義到頒獎禮上作表演，再請來其他獨立樂手，如秋紅的Jan、Hardpack的阿肥、及Audio Traffic的Adrian，而四子更舉起紙牌逐一介紹他們。Alive利用主流歌手身份，偽裝作表演；其實就是想利用電視這媒介，向七百萬人表明態度，也為獨立樂隊謀到一個宣傳機會（儘管成效不會太大）。在那首旋律不吸引〈阿當的抉擇〉被各人紛紛演唱的時候，我就似乎看到了娛樂圈的歷史，又或者是電視史上最厲害的反諷。此四子藝高人膽大，是令人佩服。雖然有人還可能認為他們眼高手低，方法笨拙，但難道主流上有這四個肯為樂壇；對，是為「樂壇」而奉獻的傻瓜不是值得高興嗎？

我要向Alive致敬，他們的努在可能對事情沒有幫助，不過總算敢作敢為，有番明知不可為而為之的勇氣。曾經有懷疑過是頌獎禮有意放手給四子惡搞，不過可能性實在微。但，當晚的頌獎禮確是做錯了一件事。最佳的男主角獎不應該給劉青雲，而是應該頒給Alive才對。（笑）

PS: 同場還有一班舞蹈員伴舞。在其中的鏡頭裡看，到了一個貌似房祖名的人在舞蹈員群中，本以為自已看錯，因為舞蹈員們都戴上了cap帽。後來在Google一搜查下才發覺是真事。看來這次行動有相當多的人參與，我甚至懷疑所有的舞蹈員都是偽裝的，他們的舞姿都非常生硬。

「生不逢時」，在這個網誌裡或已成了陳腔濫調。被內地人稱為「後八十」的一代，不僅錯過了六十年代「愛與和平」的口號；七十年代Glam的紙醉金迷，朋克的浪蕩；也錯過八九十年代的英倫樂潮。縱然九十年代被音樂界廣泛定為最失色的年代，但千嬉年過了七個年頭卻又未見令人振奮的音樂運動，勉強只能選仍在浮沉的後搖滾樂圖騰。追回最接近的九十年代英倫樂，Oasis、The Verve、Blur、Pulp等明星樂隊。還有一堆one hit wonder，The Dandys、Subcircus、Ultra Sound。近日翻開一本將舊聞當新聞的音樂雜誌，才認識到Manic Street Preachers這支樂隊，及得悉到他們在11月重發了經典專輯《Everything Must Go》

後知後覺

後知後覺有兩個解釋：（1）指我此時才知道他們的存在。（2）指踏入一月才得悉去年十一月有這張專輯的重發，後知後覺裡的後知後覺。Manic Street Preachers的態度與歷史，足以叫他們名垂千古。柏林圍牆倒下，在趕時髦講資本的年代，他們不寫愛情的，不寫娛樂的過癮的，倒是寫虛無主義，以及帶著社會主義傾向的政治搖滾樂曲。我不知道當時的主腦是誰，卻肯定他們的靈魂是來自主結他手及負責填詞的Richey James。受到外間批評其政治傾向，James就曾經在名音樂雜誌NME的訪問中，為了捍衛自己的理念而用刀片在手上劃上了4 Real"，以表他們的決心，此事亦成為了後世的佳話。

傳教士的聖經

《Generation Terrorists》及《Gold Against the Soul》先後兩張專輯為他們帶來了不少名氣。誠然，以硬搖滾配合朋克音樂並不新穎，只是Manic Street Preachers恰如其分地從音樂模式及激進的歌詞中，找到了一個可揮發出其憤怒的平衡點。聽Manic Street Preachers若單純從音樂欣賞的話，就只能享受到半成的威力，像是沒有了聖經的傳教士，會變得無說服力。《Gold Against the Soul》後，康莊大道繼續歡迎著Manic Street Preachers。

可惜的是，James因為酗酒、厭食症及長期抑鬱的關係，身體每況愈下，令到許多演出只有三個人的陣容。但這樣並沒阻止到James繼續第三張專輯《The Holy Bible》，在這張專輯中James的歌詞得到了更大的發揮，如〈Ifwhiteamericatoldthetruthforonedayit'sworldwouldfallapart〉、〈Yes〉、〈P.C.P〉等曲是更直接地攻擊社會問題。不過儘管James的意志如何強悍，身體卻是一天天地差下去，就情況就像畢加索在晚年的一席話，「我痛恨自己活躍的靈魂寄居在腐朽的軀體內。」

寫到這裡，你們也不難猜到結局。《The Holy Bible》推出後一年，James遺下證件就此失蹤，團員到處尋找亦不獲其消息。直至後來警方在Bristol的Severen Bridge，一處自殺聖地裡找獲到James的失車，警方斷定了他的死亡，惟一相信他仍在生的大概是他的樂迷，到現在仍流存他是「失蹤」，「人間蒸發」的論調。James的陰霾下，成員間痛苦地開始了他們的新專輯，一張可以從專輯名理解他們心情的《Everything Must Go》。洗脫了過往的暴戾，從硬搖滾及朋克轉而靠近了英倫搖滾樂，歌詞也傾向了積極和正面。雖然，有其中五首曲的歌詞是James逝世前寫下的，但和新風格卻出奇地配合，令專輯顯得更多元化，取得了空前的商業成就，亦令人對樂隊作出了重新的評價。這個情況令人聯想起那叫Joy Division的故事，由Ian之死到New Order之生，成員的革新與成功，一樣重要的搖滾傳奇。

有興趣者可到他們的MySpace作試聽（按此）。

Jon Bon Jovi (Bon Jovi)

Bon Jovi這支流行搖滾樂隊，以流行曲色加入搖滾元素走紅，就連不愛聽搖滾的樂迷都不會拒絕他們。雖然曾有一段時間，他們被稱作Hair Metal，不過我認為他們連Hair Metal也沾不上。作為主唱的Jon Bon Jovi，其實擁有渾圓的歌唱技巧，聲線收放自如，更會用「海豚音」這些技巧來襯托；但，或許就是他處理得太公整，總讓人覺得不夠狂放，唱不出搖滾樂應有的粗糙感。

Tom Smith (Editors)

之前也有介紹過Editors，不過主唱Tom Smith還只是輕輕帶過而已，可以去重溫一下。而Tom Smith只所以被我選為「沒靈魂的主唱」之一，其實就是我之前提過的 - 他太受Joy Division影響。而音樂上來說，Editors抽絲剝繭地從Joy Division及Interpol兩支樂隊中吸取了許多，自己又加入了許多，這個我還可以接受；不過，Tom Smith的聲線是與Ian Curtist一模一樣，所以即使如何地動聽，都不過是Ian的借屍還魂。

Corey Taylor (Slipknot)

在這麼多隊Nu-Metal Band裡，Slipknot的Corey Taylor是最沒特色的主唱。他的聲線比較單薄，沒有Jonathan Davis(Korn)的原始，也沒有Max Cavaler(Soulfly /Sepulture)的侵略性；其實單薄的聲線並不是死罪，就像Fred Durst(Limp Bizkit)，聲線輕佻且富「玩味」，不一會你已經比他迷住，又或者是 Chino Moreno(Deftones)，適當地運用效果器，令聲音變得迷離虛幻；但以上的，Corey統統都沒有。唯一可取之處，或許是不時穿插在歌曲之間的Fast Talk技巧，但我認為這個也不足以為他沉悶，平板的唱腔爭回分數。

(續)
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各位也不妨提出你們心目中 - 「沒靈魂的主唱」的名單！

來到了第三張專輯，My Chemical Romance經過《I Brought You a Bullet, You Brought Me Your Love》及《Three Cheers For Sweet Revenge》的洗練，他們已經腿去了Emo Band的色彩，打造了這張圍繞死亡的歌劇搖滾專輯《The Black Parade》。其中，更有樂評人將《The Black Parade》與經典樂隊Queen並提起來。今趟，My Chemical Romance確是打了一場漂亮的勝仗。

與The Used、Story Of The Year及Finch等樂團，造成了一股EMO浪潮的MCR成立於2000年初，主音Gerard Way及鼓手Matt Pelissier乃中學同學，造了一首自我感覺良好的曲目後（此曲目為首張專輯《I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love》裡的《Skylines And Turnstilles》），與結他手Ray Toro、Frank Lero及貝斯手Mikey Way成立了MCR。經過兩年的時間，他們幸運地得到了Eyeball Record的合約，並發表了首張專輯《I Brought You a Bullet, You Brought Me Your Love》。話說受到了The Smiths、Morrissey、The Cure及The Misfits影響的他們，仍無可避免地，被同屬一間唱片公司，同樣玩Emo Punk的Thursday相提並論。無可否認，他們的確是受到了Thursday影響，可是，這並沒有阻止到他們的星光大道。

2003年，他們轉投到Reprise/Warner Bros，一年後推出了成名專輯《Three Cheers For Sweet Revenge》，尤其是《I'm Not Okay（I Promise）》一曲，明快的節奏，及易記的旋律歌詞，令此曲成為電台的熱播曲目，受到了年青樂迷的廣大支持，亦藉此登上了Billboard流行榜。

有留意歌詞的樂迷，大概都會知道《I Brought You a Bullet, You brought Me Your Love》及《Three Cheers For Sweet Revenge》有一個聯繫著這兩張專輯的悲情故事，故事是一對犯了罪的邊緣情侶，因為小鎮被吸血鬼侵入而被殺害，死後來到了靈界，跟魔鬼簽下了合約，以一千個邪惡的靈魂以換取他們自己的生命。至於最新專輯《The Black Parade》，則是以對死亡的反思，造成的概念／歌劇搖滾專輯。開首一曲《The End》，曲名已輕輕帶出了死亡的含意，緊著的《Dead》更是一語道出了全碟的中心主題，歌詞其中一段：If life ain't just a joke Then why are we laughing？處處可見對操控生命的無力感，而《Welcome To The Black parade》則是說一個小男孩隨父親去看軍樂隊表演，父親跟他說道：“Would you be the savior of the broken， the beaten and the damned？ He said， Will you defeat them， Your demons and all the non believers？ The plans that they have made？”，後來小男孩長大，才領略到話中的意義，以及對生命作出反駁。總括而言，貫穿整張專輯的，都是對生命及死亡的疑惑。

回到音樂上，今次的專輯中亦留有不少Emo Punk味，就舉《Dead》、《This Is How I Disappear》及《The Sharpest Lives》為例，那澎湃的結他及鼓勁，儘管與之前的風格有所出入，但還是徹徹底底的Emo Punk音樂。儘管如此，卻又不可以一概而論，就以《Welcome To The Black parade》為例，開首時寂寞空虛的琴鍵聲，配合著Gerard Way喃喃自語似的歌聲，到中段突然變成明快的Punk-Based音樂，簡直就是 Queen的《Bohemian Rhapsody》的變奏版。另外，《Mama》那趣鬼的節奏，《House Of Wolves》的Grunge和Hard Rock味，都已經不是Emo Punk裡的元素。除了Queen的歌劇搖滾味外，在經過反覆聆聽後，發現其完整性及概念性更有如Pink Floyd的名專輯《The Wall》般嚴謹及創新。當然地，以技術層面來說，MCR與Queen及Pink Floyd這些恐龍級樂團還是有一段距離，但以本來為Emo Band的他們，能夠造出如此破格的音樂，已經夠其樂迷及樂評人為之驚訝，或許從Gerard Way把頭髮染上銀白色的時候，他也是同時向世界宣告從前的MYC經已死去。現在等著他們的，也許就是成為偉大樂隊的康莊大道吧！

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遲來了的Band Feature，本篇原是《獨立音樂》的稿，後來出不了便放到這裡。

認識德彪西，緣於電影《青春電幻物語》。不大懂得描寫他的音樂，或許就如「莉莉周」所言，是「蒼穹」的音樂，而他是否印象派音樂家都不重要，逝去近百年，還是從音樂去認識他較為實際。

轉載自: 網娃音樂

克羅德-德彪西 Claude Debussy (1862-1918),傑出的法國作曲家。他於1873年入巴黎音樂學院，在十餘年的學習中一直 是才華出眾的學生，並以大合唱《浪子》獲羅馬獎。後與以馬拉美為首的詩人與 畫家的小團體很接近，以他們的詩歌為歌詞寫作了不少聲樂曲。 並根據馬拉美的同名詩歌創作了管弦樂 序曲《牧神午後》，還根據比利時詩人梅特林克的同名戲劇創作了歌劇《佩利亞斯與梅麗桑德》。 他擺脫瓦格納歌劇的影響，創造了具有獨特個性的表現手法。 鋼琴創作貫穿了他的一生，早期的 《阿拉伯斯克》、《貝加摩組曲》接近浪漫主義風格；《版面》、《歡樂島》、兩集《意象集》和 《二十四首前奏曲》則為印象主義的精品。管弦樂曲《夜曲》、《大海》、《伊貝利亞》中都有不少 生動的篇章。第一次世界大戰期間，他寫過一些對遭受苦難的人民寄予同情的作品，創作風格 也有所改變。此時他已患癌症，於1918年德國進攻巴黎時去世。

剛剛在「音樂評人地」，看到了袁智聰的一篇叫《大屠殺》的文章，令我嘆息不已。只有十七歲的我，充其量只能夠幻想當時樂迷的生活- 租CD、聽錄音帶和買黑膠唱片。八十年代，年少的樂迷，天天扭開收音機，每逢到點播時間，就趕緊按下錄音鍵，將Pink Floyd、Japan、Stone Roses、Joy Division等音樂灌進錄音帶裡去。只是，單靠著那「沙沙」聲的錄音帶，根本不能夠令他滿足，接著他開始節衣縮食，把零用錢省下來買唱機和黑膠唱片，日復一日地，唱片擠滿了房子，連衣櫃都不能夠倖免地擠滿了。他的母親看到這個情況，氣得跺腳，誓言要將唱片統統丟掉，少年抱著母親淚流滿面地哀求著，只因唱片就是他的夢想，他的生命。

從雷射唱片興起，人們把黑膠都轉成光碟，接著翻版唱片大行其道，一百元六張，到今日輕鬆地對著螢光幕，點擊下載。問你第一張買的唱片是什麼己經不合時了，應該問你第一張下載的唱片是什麼。那些少年與唱片相戀，八十年代樂迷互曉的故事，現在都變得荒謬，更有點超現實。

唱片這回事本來就不是單純的音樂，除了與封套，歌詞內頁和相片配合的完整性外，更可能是一個回億，而MP3就是殺死了這份浪漫，將本來多樣化的音樂成品還原為純粹的曲目。究竟這是所謂的時代進步，抑或是音樂的退步呢，還是留待各位自己好好思考。第一張唱片從Winmx下載的Phaedrus如是說。

圖片來源自：http://madoka82.ods.org/gallery/LP_access/SANY0089

難忘的Band Show不多，印象深刻的就只有三年前的《弦極聽典》及去年89268舉辦的Show。三年前的《弦極聽典》，Extreme Metal的有Dark Vampire，Gothic的有Cloudy和Coxa，Post Punk/Death Rock的有Curling For Them，而Alternative樂隊更是多不勝數。至於去年89268所舉辦的，更是精彩！Hip Hop的Ghost Style，Indie Pop/Rock的False Alarm和My Little Airport，Post Punk/Folk的Fruit Punch，Brit pop/Rock的Unixx和Downer，電子的Alok 31g，還有Nu-Metal的秋紅，而雖然我不能夠全部記起來，卻清楚記得當晚的盛況，一個百花齊放的場面。

反觀今年，本地Band Show似乎有息微現象，不是Band Show真正減少，只是Band Show逐漸走向單一化，演出的都是有名氣的樂隊，而新晉且具實力的樂隊卻苦無機會。這不外乎「搞手」思路出錯，一方面以為自己在推動Band Scene，又過於重視商業因素，以致出現這惡性循環，演出的，不是A樂隊，便是B或C樂隊。

以前也跟朋友一起辦過Band Show，絕對明白到商業考量的重要性，但我們卻不是一面倒地請有名氣的樂隊，或只是請新晉樂隊。我們要給多點機會新晉樂隊，但為了填補支出，我們也會請一至兩隊有名氣的樂隊以支撐場面，這個方法不僅可以防止虧蝕(或有限度地虧蝕)，也可以讓前來之觀眾有機會欣賞到新晉樂隊的演出，豈不兩全其美！？話是這麼說，其他團體卻依然故我，繼續「推動Band Scene」。也許是看得麻目了，對這個Band Scene感到心灰意冷，團體的領袖宣告要停止活動，我們也跟著他黯然地離開這個Scene的事宜。

現在，我偶然才會看本地Band Show，吸引我的當然是一些新力軍，只是若果不改變現狀，情況只會繼續壞下去，實在不敢想像幾年後的景況。還好，今年有許多外國樂隊/歌手來港，先是看了Sigur Ros，之後還看了Lacrimosa，現在我就期待著12月份阪本龍一來港的演出。Local Band Scene？已被我拋諸腦後。

沒有期待，所以沒有失望？

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