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想不到要怎樣總結《Deal》這場舞台劇表演。作為觀眾的友人，一字記之曰：「好！」
一直以來只甘願做幕後及策展角色，即使是加入「六樓后座」劇團後，也只是擔任短劇目的導演；只是後來胡里胡塗地當上了演員，還分身成三個角色。誠然，我是在踏上台板後，才真正享受舞台劇。
忘掉自己本來的身份，面對成群觀眾，都要幻想自己在密封的箱子裡，唸自己的對白，好做角色。
四十年後，這是一個女權當道的社會。民運人士，喊口號時，不要忘記男性已非陽物，不過還是有deal的份量。
搖身一變，現在是一個愛死垃圾文化，刻意誇示自己品位的藝術家。身邊的演員在跳舞，燈光曬下，抽著煙，煙霧被照得異常美麗；卻又放錯了音樂。
場景轉換，一頭死去的厲鬼；衝上了電視台，跟主持人說故事，他說：「我眼睛很澀。」之後眼水不斷地流。
謝幕時候的照片。黃燈。男演員出場，女演員要ready；導演在尾段時候走出來。演員在笑，「你是演員還是導演？」那，由它吧。導演也是演員。
朋友都已經習慣了，看到我喊累和睡眼惺忪的樣子。失眠是自己的死症，翌日早晨繼續工作，胃口全失，還連連作嘔作悶。眼光光地待早晨來臨，這些夜晚幾乎似了我人生中的三十個百分點。
但事實上，卻沒有那麼糟糕。我敢說自己在這些日子，才是最能夠工作的時候。睡眠不足，令自己的精神相當亢奮；與人辯論時，能夠舉一反三；寫稿和訪問時，精神也是反常地集中。本來以為只有自己如此；可友人卻跟我講道，他認識一位花式電單車手，為了在比賽中獲得更好成績，可以連上三天不睡覺。
睡眠不足還可以加強聯想力。我有堆詩作，也是在累極了的情況下寫出。所以失眠也有美好的地方。
上星期的某一日，失眠後的一個早晨。跟幾位朋友聊天，又激起了一些無聊的聯想。某某開玩笑說：「佢咁無記性，個腦肯定係無腦漿。」我不知道腦漿是否真的是記憶的載體，大概不過是玩笑兒；我卻又迷上了這個新穎的說法。
那些虛無的記憶，居然是由會流動的液態物質盛載；假若我不幸摔破了頭，腦漿流出是否會帶走了某個部分的記憶？
只要我知道它們分別盛載的記憶所屬，也知道了哪個方位可以流出哪些的腦漿；我就可以在每個心情壞的晚上，把自己的頭摔破，讓那些壞腦漿瀉出來。
扣去約0.000144%，我當天的記憶就會消失。扣去約50%，十九年的記憶便會回到了9歲半的年紀；那時候我大概還在上小學，一下子看到自己變了成人，會有怎樣戲劇性的反應？
不過如果記憶真的可以量化，是那麼井然有序，很可能，我每晚都要把自己的頭摔破一次。
廠牌：Imperial Recordings
專輯：Promise And The Monster - Transparent Knives (2007)
Promise And The Monster是筆者近日發現的瑞典樂隊；以Acoustic的手法玩出Darkwave的氛圍，正好是瑞典音樂中未被開放的幽悒一面。
Promise And The Monster是女唱作人Billie Lindahl的個人樂隊。其廠牌「Imperial Recordings」是由Jose Gonzalez組建。
Jose Gonzalez本身亦是瑞典名音樂人，他的首張專輯《Veneer》曾在本土獲得到金唱片的銷量；手下的新民謠音樂，散發出冷調、壓抑與深邃色彩；與Promise And The Monster的音樂有著異曲同工之妙。從這方面想去，大概也能明白Billie Lindahl投身這廠牌的原因。
文中提到的Darkwave曲風，在其發展史上頗多分支。中古軍樂、電子跳舞音樂和電子氛圍等；共同點是都以合成器編曲。誠然不論是哪一種曲風，用Acoustic手法去完成整張唱片，是一個mission；更何況是Darkwave這種低調的曲風。可Promise And The Monster卻扭轉了這個宿命，造就了一張相當可聽的Acoustic Darkwave專輯。編曲上，她以最基本的木結他及鼓組成。偏好在一陣低迷的沉積；鼓聲倏地疊起，跟Billie Lindahl的高亢歌聲相互輝映。
而這個大膽的唱作人也不是獨沽一味地，只想以黑暗氣息取悅聽眾；這可能是北歐樂隊獨有的習慣，喜愛在曲風裡加入一種北歐獨有的民謠氣息，置在專輯尾段的〈Single Girl, Married Girl〉，就是首動旋律甜美的民謠作品，與其他曲目形成了一個有趣的反差。
要一讚的是，Billie Lindahl的聲線有相當的穿透性。低吟時掌握到黑暗中的無力感，高亢時卻又能擦亮周遭的環境，生起一種異樣的光明感。〈Antarkits〉及〈Night Out〉就反映了她聲線中的美好特點。
口味唔狹隘．一齊選十大
假若「口味唔狹隘」表示了對各類音樂的包容，那這次的tag可能會成為了一次「圍威喂」活動。
規則：不限地區、不限BSP；選出本年度，你認為最佳的十張唱片（不限作品類形及Artist國籍），貼在自己的部落格上。並為每張大碟附上封面照，還有不多於三百字的評論。
而為了讓此次活動能夠廣傳開去，請同時請貼上此段守則及「貳零零柒‧拾大唱片」的原創圖片。並trackback敝網誌本post以作統計。
Trackback url: http://www.croworks.net/archives/2007/12/09/1925/trackback
(1) Chris Garneau - 《Music For Tourists》
棄用結他的演繹手法，換上了電子琴和小量合成器，打造出與Sadcore有異曲同工之妙的曲風。有說Chris Garneau是美利堅版本的Damien Rice。不敢苟同，儘管兩者都帶著半分的傷神；但Chris Garneau的編曲明顯更迷人，也沒有Rice那種過於暴露的抑鬱。 (延伸閱讀)
同樣是北歐國家，冰島卻和鄰近多國的音樂有著天壤之別。深邃、冷調、通透；《Eulogy for Evolution 》包含了冰島音樂的特質，同時亦滲入了迷人的古典氣息。告訴你，Olafur Arnalds這個音樂人不過二十歲；個人作品以外，他是多支Hardcore樂隊的鼓手。(延伸閱讀)
他們的第三張專輯。與去年的《只因當時太緊張》比較，主題明顯來得更加灰暗。曾經與他們做過訪問，隊員P說三張專題都在描寫不同時期的青春，及青春的悲劇。《在炎熱與抑鬱的夏天，我們無法停止抽煙。》的歌詞比以前坦率，也因以把怨憤放大了。只是有點過了火位。 (延伸閱讀)
JJay本來是Post-Punk樂隊胡桃夾子的成員，B6則是國際名級DJ。兩個不同界別的音樂人，組成了這支新晉Synth-pop樂隊 - IGO。首張專輯《Synth Love》那些舊年代的旋律，與嘎吱嘎吱的電子碎拍；都叫人回想起Soft Cell、Depeche Mode及New Order等電音前輩；那是個美好的年代。
如果對於Darkwave的概念，還是離不開合成器和舞曲的混音；你應該要聆聽這張《Transparent Knives》。這是女唱作人Billie Lindahl的個人樂隊作品；以Acoustic手法，呈現出瑞典音樂少有的黑暗氛圍。專輯中，有部分曲目惟民謠作品，卻又是最動人的幾首。
加盟經典廠牌4AD，音樂也不如早期的暴戾；反而是逐投入了Dream pop裡去。《23》的溫婉並無弱化到專輯的耐聽性，在曲次排序上的拿捏穩當，由靜謐漸趨暴烈之際又倏地冷卻下來，真正的不慍不火。不過樂隊最叫我難忘的還是日本女主唱，搭兩位意大利男結他手的陣容，怪趣。 (延伸閱讀)
不愧為Godspeed you! Black Emperor的分支樂隊。承接2005年出版的《Stem Stem in Electro》的邪氣演唱，《Ghosts Will Come And Kiss Our Eyes》繼續頹靡厭世。與上張專輯相較，今趟Mike Moya明顯減少演唱的部分。專輯中最突出的，莫過於翻唱了Bee Gees的〈Hoildays〉，又有另一番風味。
A Place To Bury Strangers能夠從眾多Shoegaze樂隊中躋身出來，大概與他們自稱「紐約最吵耳的樂隊」有關。有別於近年的Shoegaze復古潮流。把大量時髦曲式加到音樂上；將結他音量扭大，配合懾人的高速電鼓，帶給了聽者官能上的刺激。可令人擔心的是，《A Place To Bury Strangers》的成功在於新鮮感；假若新專輯不作曲風上的改良，肯定只會劣評收場。 (延伸閱讀)
(9) Piana - 《Ephemeral》
抹去了羞澀的色彩，進而步入旋律化的曲風。幸而，Piana沒有因為減少了電音的份量，而失去一直為人稱道的朦朧感。《Ephemeral》中的轉營，是眼下少見的成功例子。若說佐佐木直子沒有刻意經營過的話，也太沒有說服力。 (延伸閱讀)
由內涵到包裝，同樣叫人亢奮的產品，大概是日本人的習性。《Hurtbreak Wonderland》已經是樂隊第七張專輯，卻絲毫沒有疲憊的現象；由音符去說故事從來是他們的拿手絕活，概念的一統，技術化的編曲。在我偏執的立場上，能夠與他們相提並論的，可能只有Pink Floyd。 (延伸閱讀)
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